O Avarento

Foto: Luciana Mena Barreto

Churrasco e Sushi. Roupa Nova e Casamento.

1956. Você conseguiria imaginar Julie Andrews, perfeita como Eliza Doolittle, olhar com ironia para o que vê ou mesmo piscar para o público questionando os sonhos que manifesta ao cantar no mercado “Wouldn’t be loverly? em “My fair lady” ?

1957. Você conseguiria imaginar Anita, Chita Rivera, após a inesquecível cena de “América” de “West Side Story”, ver a protagonista Maria se afastar e, olhando pro público, dizer: “Vamos ver até quando vai durar esse sonho...” ?

1959. Você conseguiria imaginar a noviça Maria, Mary Martin, na segunda cena de “The Sound of Music”, no meio de "The hills are alive” sentar no chão e não ter nenhuma paisagem, nenhum tronco de árvore (como diz o texto), absolutamente nada além dela e o figurino, com os atores todos a vista, fora apenas do espaço cênico?

Não.

O Musical, gênero essencialmente norte-americano, é um misto de teatro de revista e circo que iniciou na metade do século XIX, cresceu nos primeiros anos do século XX na ilha de Manhattan e atinge o seu apogeu, não por nada, na Grande Depressão pós 1929. O musical serve para fazer encher a alma do público, arrebatá-lo da cadeira. Daí uma grande quantidade de bailarinos e coreografias complicadas, cenários que caem do teto e figurinos não menos que explêndidos, lindas vozes que começam a cantar do nada deixando bem acertado que o mais importante é a música e não o texto. A trilha, num musical, protagoniza. E só, num musical, atores cantam. Fora disso, cantarolam, assobiam um tema qualquer, usam a música para ilustrar.

Seria desperdiçar o gênero colocar Eliza Doolittle duvidando de si mesma quando justamente seus olhos não piscantes prendem a nossa atenção. Da mesma forma, ao identificar-se com Anita, vê-la como outra pessoa, falando com a gente, a platéia. E não menos pior: não oferecer à voz forte de Maria ainda não Von Trapp a imagem dos Alpes Austríacos. Se o gênero oferece isso ao encenador, por que não usá-lo?

A farsa é um gênero consolidado por Molière que, junto com Racine e Corneille e outros, no século XVII, retomaram na França, o melhor do clássico grego: as ações externas à cena e, principalmente, o virtuosismo da palavra. Acrescenta-se a isso a crítica travestida de narratividade, com utilização da platéia como cúmplice e não meros ouvintes do belo texto, e com a limpeza da cena. Um texto neoclássico quase não tem rubricas, há poucas indicações de cena e o encenador é, com isso, avisado de que só o bom dizer já é suficiente. Se o gênero oferece isso ao encenador, por que não usá-lo?

Apesar do nome Farsa, o Grupo Farsa trai a Farsa utilizando o Musical como amante. Embora com boas letras, lindas melodias e ótimas interpretações, coreografias e palavras em forma de tons me lembraram, e muito, Rolling Stones em Édipo Rei: uma teimosia do encenador em comer sushi com churrasco, os dois no mesmo prato. Não dá pra comer picanha com pauzinhos, tampouco colocar algas num espeto. A maravilhosa ilusão do musical fica perdida na maravilhosa ironia farsesca. E, pra acrescentar, num par de cenas, há aventuras no melodrama, com lágrimas e olhares enternecidos da dupla romântica de “O Avarento” (Lucas Krug e Daiane Oliveira), novo espetáculo dirigido por Gilberto Fonseca.

Com exceção das calças de lycra de Frosina (Lúcia Bendati), o figurino de Daniel Lion é perfeito. Com exceção das banquetas de metal forjado e o cabideiro do mesmo material, o cenário (o tapete e a proposta das banquetas) é rico em tudo aquilo que o gênero escolhido possibilita como potência. Com exceção no nervosismo e da falta de ritmo da estréia (Bárbara Heliodora uma vez disse que “se a peça não está pronta, então, que não seja apresentada. O público da última semana tem o mesmo direito de ver um bom espetáculo que o do primeiro dia.” Sempre acho que sessões de ensaio aberto e apresentações na periferia deveriam anteceder estréias no eixo Centro – Bom Fim – Cidade Baixa.), pode se ver grandes interpretações, textos muito bem ditos como convém, e momentos ora de leveza e ora de sarcacidade como prevê o clássico francês.

Em suma, se conseguirmos o impossível: esquecer o equívoco da trilha sonora, temos em cena, sob o texto de um dos maiores dramaturgos da história, as excelentes interpretações de Ariane Guerra e João Pedro Madureira, em papéis secundários, mas cheios de riqueza e profundidade, exibindo corpos treinados para o olhar do público e, principalmente, prazer em estar ali; e a não menos, mas talvez um pouco mais, excelente contribuição de Elison Couto: ótima dicção (base para o clássico), experiência mostrada em figura corporal pesquisada, treinada e mantida; e a graça de estar em meio a uma história que, embora os desperdícios da direção, diz muito para os dias de hoje.

Ficam ainda Lúcia Bendati, ainda trêmula com os leques; Marcos Chaves, trêmulo num alto sapato alto; Zé Mário Storino, trêmulo com chapéus, aventais e colher. Objetos externos aos corpos, como também é externa a trilha, como foi dito no início.

Em se tratando de Gilberto Fonseca, mesmo diretor do diferente espetáculo “A Canção de Assis” e outros trabalhos, sempre cuidadoso com aquilo que é plástico, num elenco que, por contar com Couto, Bendati, Madureira e Krug, quatro nomes do que há de melhor no teatro porto-alegrense, podemos dizer que a avareza de economizar na ironia e na crítica, gastando naquilo que não é farsa, será um dia punida.

Por hora, Gilberto Fonseca ganha roupas novas e alguns casamentos.

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FICHA TÉCNICA

Texto: Molière
Direção: Gilberto Fonseca
Prep. Vocal, Trilha e Direção Musical: Marcos Chaves
Figurinos: Daniel Lion
Cenário: Gilberto Fonseca e Lucas Krug
Iluminação: Gilberto Fonseca
Maquiagem e Cabelos: Elison Couto
Projeto Gráfico: Adriana Sanmartin
Fotografia: Luciana Mena Barreto
Divulgação: Sandra Alencar
Assist. Produção: André Oliveira
Direção de Produção: Inês Hübner

ELENCO:

Elison Couto
Marcos Chaves
Daiane Oliveira
Lucas Krug
Ariane Guerra
Lúcia Bendati
Zé Mário Storino
João Pedro Madureira